“Il collage è l’incontro di due realtà lontane su un piano estraneo a entrambe.”

Max Ernst

Cosa dicono di te?

Che sei disordinata/o e quindi sei un/un’artista.

Che vesti con molti colori ed è chiaro che sei un’artista.

Che vivi sulle nuvole e quindi sei per forza un/una artista.

Hai un carattere mutevole e poco conciliabile quindi sei un’artista.

Troppo semplice vero?

Michelangelo pare avesse un carattere burbero e al limite dell’impossibile.

Canaletto litigava con chiunque.

Caravaggio tirava fuori la spada per ogni inezia.

Per non parlare di Van Gogh, ipersensibile e profondamente turbato dalla vita.

Modigliani definito angelo e al tempo stesso diavolo.

Per le artiste inutile prolungarsi.

Pressocchè inesistenti per secoli nella storia ufficiale, avevano pessimi caratteri quasi d’ufficio.

Dovevano trovare spazio e tempo in mezzo a una vita oberata dal lavoro in casa e in famiglia: chiaramente ogni loro scelta era una sfida personale e quindi i caratteri erano inevitabilmente plasmati dalla lotta per la sopravvivenza.

Ma il carattere non ci fa artisti.

Nè ci rende più creativi.

Allora perché l’immaginario collettivo definisce la creatività in base a come ci vestiamo, come parliamo, come interagiamo con il mondo?

Potremmo dire che vestirsi e adornarsi di abiti e gioielli eccentrici ci rende agli occhi degli altri proiettati nel mondo della creatività.

Ma non sempre è così.

Giorgio Armani, vestiva quasi sempre nello stesso modo: t-shirt bianca e pantaloni neri o pullover nero o blu e pantaloni scuri.

Peggy Guggenheim, grande ispiratrice e compagna di artisti, indossava incredibili oggetti creati da altri. Mecenate dell’arte, grande sensibilità, ma non artista.

Basta osservare la gente per strada per trarre la conclusione che molte persone esprimono la loro creatività nel vestirsi, ma non sono artisti perché indossano determinati abiti.

Avere un pessimo carattere e vestirsi in maniera estrosa dunque, non fa di noi degli artisti.

Un altro luogo comune è pensare che il disordine sia un segnale determinante di creatività.

Lo studio di Francis Bacon era una stratificazione al limite della follia di colori, oggetti, disegni, cose trovate per strada, giornali, cibo: un caos incredibile.

Francis Bacon è stato un artista enorme.

Ma d’altro canto Matisse aveva uno studio molto ordinato. E anche Matisse è stato un artista enorme.

Diversi studi universitari hanno però decretato che avere una scrivania disordinata ci offre l’opportunità di essere creativi.

La scrivania di Einstein era un caos di appunti, libri e documenti.

Anche Roald Dahl era un notevole disordinato.

Ma ho una notizia da darvi:

essere disordinati non ci rende artisti o creativi. Può succedere ma anche no.

Indossare abiti eccentrici, avere un pessimo carattere ed essere disordinati, può anche ingannare chi ci guarda, ma non ci rende artisti.

Vivi sulle nuvole?

Sei sempre assorto nei tuoi pensieri?

Forse stai risolvendo i più intricati enigmi matematici o forse stai semplicemente vagando nelle galassie del vuoto di pensiero.

Non è conseguenziale stare sulle nuvole e quindi vagare nell’immaginazione.

Picasso, Monet, lo stesso Einstein, si concentravano in maniera diversa dalle persone comuni.

Quando siamo distratti, possiamo pensare che il cervello non vuole fare qualcosa, si sta annoiando.

Pare che più siamo distratti più il nostro cervello possiede una buona quantità di neuroni.

Ma potrebbe anche essere stress o stanchezza.

La creatività viaggia insieme alla distrazione. Ma non si può arrivare alla conclusione che sei creativo perché sei distratto.

Dunque indossare abiti eccentrici, avere un pessimo carattere, essere disordinati e distratti, possono farci creativi e artisti o forse no.

A questo punto ti chiedo: in cosa ti ritrovi? vesti in maniera strana? sei distratto/a? hai un pessimo carattere?

Quanto a me non indosso nulla di eccentrico, uso pochi colori, ho un pessimo carattere a detta di molti, sono ordinata, mi distraggo poco e non vivo sulle nuvole. Credo.

Ma quando sono in studio uso tutti i colori, divento amabile, disordinata e mi distraggo.

Sono un’artista? non lo so. E tu?

Intanto potresti indossare una nuova identità con un semplice esercizio che vedi qui sotto nel video.

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Non dipingo spesso ma disegno moltissimo.

Capita che mi suggeriscano una matita, che io la provi, e che mi butti a interpretare il mondo. Un mondo di facce, perché forse è quello che mi interessa di più: credo sempre di cambiare, ma alla fine sono volti senza spazio attorno o corpi che sfiorano i bordi della tela.

Disegnare è un impegno diverso dalla pittura, è un gesto più intimo, riservato, meno aggredito dal mercato. Oserei dire anche più libero, non ti aspetti mai niente da quello che butti giù sul foglio. E la mancanza di aspettative apre porte spesso chiuse quando vuoi soddisfare le esigenze degli altri (tipo l’iterazione di un soggetto fino alla nausea che impedisce a un artista di crescere).

Nel suo interessantissimo libro Sul disegnare, John Berger afferma che “per l’artista disegnare è scoprire”.

Ed è certamente vero che avendo il soggetto di fronte, l’artista deve decifrare la forma secondo il suo modo di vedere e il suo retaggio culturale. Ragione per cui avendo un modello davanti, se disegnano dieci persone, tutti i disegni saranno somiglianti al soggetto eppure tutti e dieci saranno diversi.

La scoperta maggiore avviene quando si disegna a memoria, magari ricordando un luogo, un avvenimento, una persona. Qui si scava nei ricordi, nella percezione che abbiamo adesso su qualcosa che è accaduto ed è filtrato da quello che ci torna alla mente. Rimettere insieme i pezzi, le sensazioni, quello che ci ha colpito. E’ una interpretazione di qualcosa che è esistito e che ci sforziamo di riportare in vita.

I disegni non devono per forza essere esposti, possono essere come pagine di diario, come appunti per lavori successivi.

Aggiungerei che c’è una terza via estremamente interessante che intraprendo ogni tanto: disegnare il modo di disegnare, per dirla alla Berger.

Come capire un autore non solo osservandone i dipinti? ripercorrendo il suo modo di usare la matita (e poi il pennello). Come ritaglia la figura nello spazio, che linee sceglie, perché accentua un’ombra, come vede quel soggetto e come lo vedrei io se non fossi lui (o lei).

Mappe per capire, interpretare, scegliere.

Scegliere cosa?

Riprodurre i disegni di grandi artisti attraverso le loro scelte grafiche, ci fa compiere delle scelte. Ciò che potremo usare, ciò che non rifaremo più, ciò che ci è piaciuto talmente tanto da decidere di fare proprio e di usare nei disegni personali.

I soggetti, le forme, l’uso dei materiali, sono una scuola eccellente per imparare e lasciare andare lo stile di chi amiamo per farne uno proprio.

E per allenare l’attenzione.

Lo sguardo che si concentra ora su una parte ora sull’altra del soggetto, la curiosità su come la luce influisca sulla forma, le deviazioni dall’idea iniziale, i segni come appunti per un disegno successivo, l’adesione totale al soggetto mentre si crea questo nuovo mondo bidimensionale.

E’ creare un mondo anche quando si pensa di ricrearlo. Tutto è filtrato dalla nostra capacità di vedere.

Perciò disegnare è un atto importantissimo per un artista.

Non solo un metodo per indagare il mondo, ma anche un mezzo efficace per esplorare emozioni e idee.

Cosa ci suggeriscono i disegni di Egon Schiele se non la fragilità umana, la sensualità, la solitudine dell’uomo moderno? E i suoi disegni sono un percorso parallelo alla sua pittura. Le sue figure deformate esprimono una profonda indagine psicologica e si adagiano su sfondi che sembrano sostenerle.

Schiele ha lasciato 340 quaranta dipinti e oltre 2800 acquerelli.

Dal canto suo la grande Käthe Kollwitz, diceva “io disegno perché devo”, ed in effetti il suo disegno era fortemente espressivo, utilizzato per sensibilizzare l’opinione pubblica e denunciare le ingiustizie sociali. Il disegno era un modo per pensare con le mani: i sentimenti come dolore, rabbia, lutto, sofferenza, viaggiano insieme al tratto di matita. Non c’è spazio fra sentimenti e mani, percorrono la stessa traiettoria.

Disegnare dunque è una esplorazione in se stessi e nel mondo, imprescindibile per un artista.

Diffidate degli artisti che orgogliosi dei loro successi esclamano “io non so disegnare!”, e qui non si parla di bravura o meno ma dell’atto stesso di indagare il mondo col disegno, con qualunque risultato, non esistono categorie come bello o brutto in questo discorso.

C’è qualcosa che non quadra quando non esplori il mondo con la matita. Meglio cercare altrove.

Come ebbe a dire Albrecht Dürer: Il disegno è la base di tutto.

(In apertura un piccolo video che ho fatto mentre pensavo questo post)